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Analisis Grandes Espias

“Grandes Espias” es una típica película familiar que combina acción explosiva con el más que reconocido desarrollo de personajes de comedia. Pero esta vez le toca a Dave Bautista (“Guardians of the Galaxy”), la antigua leyenda de Wrestlemania, como el hombre que tiene que encontrar una cierta bondad debajo de los pectorales de acero.

Sinopsis

Bautista interpreta a JJ, un agente de la CIA, que ha sido relegado del trabajo de campo con terroristas a vigilar a una madre soltera y a su hija en los suburbios. Para un tipo duro de no tomar prisioneros observar la vida cotidiana de Kate (Parisa Fitz-Henley) y Sophie (Chloe Coleman) de nueve años parece un castigo aburrido. Esta nueva “misión» empeora aún más cuando se le asigna de compañera nerd tecnológica a Bobbi (Kristen Schaal).  Esta compañera es una fanática de JJ que no quiere otra cosa que un pequeño reconocimiento de su héroe, y que él comparta su conocimiento de los peligrosos trucos del oficio. Pero JJ solo la encuentra molesta. La cosa empeora aún más cuando la curiosa Sophie atrapa a JJ, y lo obliga enseñarle cómo ser un espía a cambio de que ella no revele la misión.

Subgénero y lo interesante

Es muy interesante como parecer ser un requisito que los culturistas se conviertan en niñeras a medida que avanzan en el cine. En 1990, Arnold Schwarzenegger fue encubierto en “Kindergarten Cop”. A Hulk Hogan le tocó en 1993 con “Mr. Nanny”. Vin Diesel en “The Pacifier” de 2005. Dwayne «The Rock» Johnson en “The Tooth Fairy” de 2010. Y la más reciente “Playing with Fire” del 2019 que contaba con John Cena. Lo fascinante de este subgénero es que la dinámica de poder en la relación padre-hijo se invierte, y esta película no es una excepción. Sophie es sofisticada e inteligente y siempre está lista para corregir a JJ cuando se equivoca y señalar sus fallas en público. Por el contrario, él es el niño: comete errores, queda atrapado en situaciones embarazosas y aprende a lidiar con el lado emocional de la vida.

Luchador avergonzado

El éxito de estas películas depende de qué tan bien el luchador, convertido en actor, pueda manejar esos momentos cuidadosamente tramados de vergüenza. Schwarzenegger sobresale porque nunca se toma en serio a sí mismo, mientras que “The Rock” destila carisma y encanto. Al igual que John Cena, Bautista opta por una seriedad que hace que nos hace reír a veces, pero, a medida que se desarrolla la historia y la química entre él y Sophie, la película cumple con su ambición. Los momentos cómicos de Schaal ciertamente ayudan a distender al espectador y llevar una fluidez narrativa.

La película está dirigida por Peter Segal, quien ha tenido éxito con comedias como “Anger Management” y “Get Smart”, y está escrita por Erich y Jon Hoeber, quien también escribió las comedias de espías “RED” y “RED 2”.

En resumen, la película es una parodia de espías agradable con la apertura de una película de acción y un final ambicioso que nunca es tan convincente o satisfactorio como las divertidas travesuras de pez fuera del agua del segundo acto.

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Reseña y crítica- Sonic: The Hedgehog

Finalmente llegó a los cines de todo el país la película de la cultura pop que probablemente haya generado más polémica en los últimos tiempos. Estamos hablando de la película basada en el videojuego de SEGA, Sonic: The Hedgehog dirigida por Jeff Fowler.

En su primer tráiler, publicado en mayo del 2019, la animación del erizo azul era muy alejada a la realidad del juego, incluso pareciera que se le buscó una forma un poco humanizada. Un diseño que fue terriblemente criticado por los fans que tantas fichas le ponían a este proyecto. En ese momento, el estreno se planificaba para noviembre de 2019, sin embargo fue tal el desprecio al diseño que Paramount Pictures mandó a todo el mundo a rediseñar al protagonista.

Fowler comentó al respecto en su Twitter: «Gracias por el apoyo. Y la crítica. El mensaje se escuchó fuerte y claro… no están felices con el diseño y quieren cambios. Va a pasar. Todos en Paramount y SEGA están muy comprometidos para hacer de este personaje lo mejor que pueda ser…» Debido a esto, la fecha de estreno se postergó a enero del 2020, aunque esta vez con resultados mucho más reconfortantes: Sonic adoptó una forma más caricaturesca e infinitamente más fiel al videojuego de SEGA y se esperó con ansias la llegada de la misma.

El pasado jueves 25 de enero se estrenó finalmente y con una recaudación récord: en su primer fin de semana ya recaudó $111 millones de dólares en todo el mundo y en el sitio de críticas Rotten Tomatoesobtuvo el 63%. Un gran inicio para una película que tuvo un primer vistazo algo desastroso.

Para esta película, decidimos dividir la nota en una reseña sin spoilers y luego una sección con spoilers. Si la viste pasa de largo, y sino quedate en la siguiente sección:

Sólo reseña sin spoilers

Sonic: The Hedgehog, sigue la historia del erizo con zapatillas que corre a una velocidad extrema. Con un poder muy importante que adora usar pero no tiene origen definido, Sonic tiene que esconderse para poder sobrevivir a cualquier especie que le pueda querer robar el atributo. La película inicia con Sonic huyendo a la Tierra y resumiendonos el lugar donde vive y los deseos que tiene de pertenecer a él. En Green Hills donde se esconde, puede coexistir con los ciudadanos que no saben de su existencia, hasta que un abuso de su poder lo lleva a generar un corte de electricidad que afecta todo la ciudad. Inmediatamente el gobierno  manda a un científico un poco excéntrico para que investigue la razón de semejante problema, y Jim Carrey inicia su acción. Más tarde se involucrarán James Marsden como el sheriff Tom (Lord Dona) y Tika Sumpter como Maddie (Lady Yoga). De aquí en adelante inicia la aventura de Sonic para llegar a San Francisco y recuperar algo muy preciado para el erizo azul.

Es una película muy entretenida, con muchos gags, algunos buenos y otros que no tanto. La figura más destacada es, obviamente, el Dr. Robotnik, interpretada por el gran Jim Carrey. Una actuación clave que hace al resto de la película, probablemente sin Carrey no sería lo mismo. Con un manejo espectacular de las expresiones, Jim Carrey logra cautivar cada aspecto de la película y llega a idiotizar al enemigo, además un componente importante para contribuir a la idea de la película infantil.

Si bien Sonic es una película esperada por muchísimos fans del videojuego, también es una película muy adecuada para los más chicos. Una historia simple, sin ribetes, con personajes definidos y cómicos, momentos melancólicos y graciosos, es una película perfecta para niños y niñas. Una clásica historia que, más allá del juego, mezcla humanos con animaciones: una combinación efectiva desde hace mucho.

Pero como mencionado anteriormente, también fue muy esperada por fans de videojuegos. Un punto que también cumple con gran satisfacción. La película está repleta de guiños al videojuego y muchos cruces y menciones con el mundo de la cultura pop (Sonic es fanático de su colección de los cómics, menciona a sitios como Amazon y cita una frase de Vin Diesel como Toretto en Rápido y Furioso).

Por su parte, Sonic y Robotnik son muy fieles a sus personajes en el juego y se replican muchos elementos (profundizaremos más adelante), como los anillos o los espacios: el nivel más conocido del juego es la Green Hill Zone, nombre que también lleva la pequeña ciudad en la Tierra donde Sonic se esconde y genera el corte de electricidad.

En su totalidad, es una película con una duración que podría haber sido un poco más extensa, pero acertada. Entretenida y esencial para el público infantil. Llena de guiños a la cultura pop y al videojuego en el que está inspirado. Corre a verla si esperas un buen pasatiempo y una interesante intertextualidad con la cultura pop.

El que avisa no traiciona

Una de las grandes hazañas de esta película fue la idea de mechar tantos guiños al videojuego y, a su vez, generar una de las expectativas más grandes desde la última escena post-créditos de Spider-man: Far From HomePor partes:

Es importante destacar, primero en principal, que la película se llama igual que uno de los tantos juegos de Sonic, Sonic: The Hedgehog. Debido a esto, es esperable que haya una gran variedad de puntos a destacar. El primer gran guiño es la Green Hill Zone, que aparece al principio de la película (es de donde escapa Sonic) y luego en el nombre de la ciudad en la Tierra donde se esconde por diez años, como mencionamos más arriba.

Los anillos son un punto importante también. En los juegos Sonic necesita los anillos para defenderse de sus enemigos, en la película funcionan como portales a otros lugares (teletransportadores) y si bien no es un combate directo, es utilizado por el erizo azul para defenderse. De hecho utilizando el anillo al planeta de los hongos es como logran derrotar al Dr. Robotnik.

Otro de los guiños es el cartel sobre el que juega Sonic al ping-pong. Hill Top es un nivel ubicado en el Sonic The Hedgehog 2. En esa misma secuencia, en la banda que usa Sonic mientras juega, se puede ver el logo clásico de los videojuegos de Sonic The Hedgehog.

En cuestión de espacios, también está el planeta de los hongos, al que Sonic debe ir en caso de peligrar en la Tierra. Son muchas las veces que este planeta aparece en la voz del erizo azul, ya que se niega a ir de manera contundente, arriesgando así quizás su vida. Este planeta podría ser Mushroom Hill Zone, un nivel que se puede ver en Sonic The Hedghehog 3 y Sonic & Knuckles. A su vez, es allí donde termina Dr. Robotnik, a quien vemos en la primera escena post-créditos preparando su venganza y convirtiéndose progresivamente en Eggman, el enemigo principal de Sonic en los juegos, calvo y con el bigote gigante, aunque aún muy delgado.

Y bien, llegamos a la última escena post-créditos y vemos a… ¡Tails! El icónico personaje del juego de Sonic (y con voz femenina de Colleen O’Shaughnessey) abre una puerta muy interesante en esta escena post-créditos. Dada la importante recaudación en solo un fin de semana, no sería sorpresa una secuela. Y mucho menos con lo que sembraron las últimas dos escenas post-créditos: la venganza de Eggman y la aparición de Tails. Ambas buenas razones para iniciar una secuela ahora mismo. Y si apareció Tails y crece el dr. Eggman, ¿quién dice que no vendrán también Amy, Knuckles, Silver y probablemente también Shadow? Todos personajes del juego, compañeros y antagonistas del famoso erizo azul de SEGA. Solo entonces, cabe esperar.

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Mi único héroe en este lío. Bong Joon-ho

La grata sorpresa del día de ayer fue el batacazo que dio el director surcoreano Bong Joon-ho con su película Parasite. Ganadora del Oscar en las categorías Mejor Guión original, Mejor Director, Mejor Película Extranjera y Mejor Película. Ahora uno se pregunta ¿por qué sucedió?, ¿algún alineamiento planetario? Me animo a mencionar algunos puntos al respecto.

Bong Joon-ho ingresó a la Academia de Cine de Corea en 1994 luego de haberse salido de la carrera de sociología. Como todo realizador de cine recién recibido, tuvo que trabajar primeramente filmando casamientos para poder comer, según sus palabras. Su primer largo es Barking Dogs Never Bite, en donde él la considera su cinta más personal, también una comedia negra que «refleja muchos elementos míos y de mi vida privada». Acá ya comenzamos a avisorar una línea conductora que refleja no solo esos aspectos de su Corea del Sur sino también cómo representa a la sociedad desde el punto vista grotesco y de humor negro. Algo de sociología le quedó rebotando en la cabeza.

Filmografía

En Parasite, la historia relata la historia de una familia que va infiltrándose en la vida de otra familia mucho más acomodada en donde a medida que avanza la trama vemos un choque o lucha de clases. Esto de por sí es algo universal y que es transversal culturalmente hablando sin importar tampoco el idioma que se hable. Punto a favor para que esta cinta pegue en otros lugares más allá de los límites de la frontera surcoreana. Creo que aún más en nuestras sociedades acá en el Cono Sur donde la polarización e injusticias se acentúan cada vez más.

Otras obras de su filmografía son también parte de este hilo conductor. Okja (2017), una película que trata sobre activismo animal y el poder de la corporaciones, The Host (2006), una película pseudo kaiju que más allá del monstruo que aterroriza Seúl, el monstruo es realmente un gobierno inoperante y burocrático mostrado de forma más satírica al igual que los jóvenes que protestan en la calle; el formaldehído vertido en el río Han y responsable del mutante es causado por un negligente grupo militar estadounidense. Ambas producciones están disponible en Netflix.

Otra producción de Boon es Snowpiercer (2014), basada en la novela gráfica francesa Le transperceniege de Jacques Lob y Jean-Marc Rochette. Esta historia posapocalíptica relata la supervivencia de la humanidad a bordo de un tren en contínuo movimiento alrededor de un mundo sumido en una nueva era glacial. Así como en Parasite, existe la lucha de clases: los pobres y marginados en condiciones paupérrimas viviendo en los úlitmos vagones, y la clase alta viviendo en decandencia allá adelante cercanos a la locomotora. Aquí tampoco las cosas terminan bien.

No es solo el guión

Sin desmerecer la obra de este realizador, es sabido que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood no solo toma en cuenta la trama y demás factores relacionados. Variables como la promoción del producto en varios escaparates como programas de talk show, entrevistas dadas a sitios especializados y por supuesto cantidades ingentes de dinero, ayudan a la «suerte».  Es cierto también que se notó un ninguneo por parte de la Academia a la producciones pertenecientes a servicios de streaming, particularmente a Netflix – de los tanques Los dos papas, El Irlandés y Marriage Story solo se obtuvo dos estatuillas. Una declaración que dice mucho en cuanto a mantener el status quo para que la gente siga consumiendo cine en la pantalla grande.

¿Será tal vez un cambio de paradigma por parte de la Academia al momento de considerar producciones extranjeras?

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Aves de Presa: Crítica con Spoilers.

Hace cinco años, en el 2015 y antes del estreno de Escuadrón Suicida, Margot Robbie presentaba a las autoridades de DC y Warner Bros. la idea de hacer una película en la que Harley Quinn estuviera con un grupo de amigas. Inicialmente estaba centrada en el personaje de la Cazadora. Así es como en mayo de 2016, todavía antes del estreno de Escuadrón Suicida donde el mundo vería a los personajes por primera vez en pantalla grande, se anunció que se estaba trabajando en la pre producción de Aves de Presa. La primera película de DC con calificación R (+16) con Cathy Yan como directora y Christina Hodson escribiendo el guion. Finalmente llegó a los cines la película más esperada del mes y de la cultura pop.

Gradualmente la historia fue derivando a que el centro de la película fuese Harley Quinn y su ruptura con Joker. Durante un buen rato de la película, la mayor trama es que, efectivamente, Harley tiene que aprender a vivir sin Joker. Quien hasta entonces la protegía de todo y le daba una identidad. La película es una búsqueda constante de un aparato de contención para ella, así como también de liberación. Porque si bien estamos hablando de Harley, también hablamos de que podía hacer lo que quisiera mientras fuera la novia del «Mr. J» y nadie se metería con él o su pareja. Sin embargo, cuando se produce la ruptura, queda completamente desprotegida y llena de enemigos sueltos. Debido a esto, momentáneamente resguarda el secreto, hasta que hace oficial su anuncio y en menos de 12 horas todos la buscan para cobrarse venganza.

A medida que sucede esto, se desarrolla otra trama, que será la que unifica todas las demás y en algún momento pasa a ser principal: el diamante de la familia Bertinelli. En esta trama es donde entra Helena Bertinelli como la Cazadora (Hauntress). Su personaje tuvo que presenciar cómo un grupo de mafiosos italianos acribillaban a toda su familia por ese diamante. Por lo que, cuando Helena crece, su sed de venganza se hace cada vez más fuerte y visita uno por uno a los presentes ese día para matarlos. En la Cazadora tenemos el primer y quizás único gran problema de la película. Pero primero veamos lo primero.

Harley Quinn en cuerpo y alma

Lo primero que nos pasa con la película son quizás dos cosas: la forma en que está estructurada la narración y el personaje de Harley Quinn, temas que están íntimamente ligados.

Por un lado, la idea de estructurar la película de manera no lineal y utilizar la ruptura de la cuarta pared. Éste último es un recurso bien conocido y previamente utilizado en muchas oportunidades. Al primer lugar al que nos lleva ese tipo de ruptura es, quizás, a otro superhéroe, pero de Marvel: Deadpool. De alguna manera, Hodson (guionista) encontró la manera de que Harley narre la historia dialogando con los espectadores. Claramente lo que ya vimos se utilizó para el personaje de Ryan Reynolds. Harley Quinn no solo rompe la cuarta pared, sino que lo hace con el humor y el delirio que acompaña su personalidad. Al ser narrada por ella, la estructura es totalmente delirante: va y vuelve en el tiempo

constantemente de una manera conocida, pero bien empleada. Por momentos pareciera que Christina Hodson quiso realmente llevar el estilo Harley Quinn a la estructura misma de la película: una narración «al estilo Harley Quinn», con idas y venidas bruscas, errores, olvidos y todo lo que le puede pasar a Harley en su día a día. Podría ser incluso una radiografía de lo que ella piensa. Todo el tiempo lo comunica con su manera tan particular.

Ligado a esto, se encuentra su personaje y todo lo que ello conlleva (básicamente Margot Robbie). El personaje de Harley Quinn es un delirio con el que empatizamos velozmente, porque en esta película también se preocuparon en volver a Harley anti-heroína. También deja de lado su papel de villana. Si bien es un personaje que ya pegó con Escuadrón Suicida, esta película definitivamente hace que la queramos más. Está en todos lados: hace todo lo que está mal, todo lo que está bien, rompe todo, no le importa con quién se enfrenta, narra la historia hablándonos directamente y todo eso lo hace con ese humor extraño y bizarro.

Todo esto es gracias a Margot Robbie que deslumbra a cada paso que da, cada sonrisa, mirada, vestuario, expresión y estado de ánimo. La actriz perfecta para hacer brillar todo lo mejor de Harley Quinn. Por suerte, el resto del cast es un muy buen sostén y deslumbra cada uno en su lugar.

Pelea como una mujer

Mucha gente se esforzó en catalogar esta película como feminista. En cierto punto es verdad y en cierto punto no tanto. Hace varias décadas, surgían los géneros que comúnmente se llamaron películas «de mujeres» o «para mujeres» del género melodrama que eran protagonizadas por mujeres en constante quiebre emocional por diversos aspectos. El más recurrente: la falta de una pareja heterosexual y un amor romántico. Aves de Presa, en primera instancia, parece querer reivindicar esa idea al poner como premisa base la ruptura de Harley Quinn con Joker. Si bien sabemos que su relación no implicaba un amor romántico, sí era víctima y cómplice de una relación dependiente. De hecho ella misma lo aclara al principio: comienza su emancipación y hay muchas mujeres en Gotham que están buscando emanciparse.

Como mencionamos más arriba, una de las razones por las cuales se desata el conflicto es porque Harley está «desprotegida». Entre comillas, pero es verdad. Avanzando sobre la trama, Quinn explicará a Canario Negro qué es un arlequín. De aquí es donde viene el nombre de villana con el que Joker la bautizó. Un arlequín es un personaje que vive para sus amos, está detrás de sus amos y sólo actúa para ellos. Harley le cuenta esto a Dinah Lance (Canario Negro) para conseguir dos cosas: despertarla del lugar de arlequín que ocupaba junto a Sionis y compañerismo y contención.

Entonces, recapitulando, Harley Quinn fue bautizada de esta manera por Joker. Luego de caer en los químicos, ya que le hacía recordar a un arlequín: personaje totalmente dependiente, sumiso y servidor. Esto es todo lo que tiene la protagonista. A su vez intenta buscar contención en Canario Negro, reconociendo que ésta se encuentra en el mismo lugar en el que ella alguna vez estuvo con Joker. Si bien Harley no es del estilo de personajes que está «en apuros» y nunca pide ayuda, es la primera vez que se acerca a alguien que realmente puede acompañarla en el proceso. Recordemos que antes de ser Harley Quinn, era Harleen Quinzel, una mujer independiente y profesional que no necesitaba de nadie. Pero al caer en los químicos, su vida volvió a empezar como alguien nueva. Desde que Harley Quinn nació, nunca estuvo sola. Hasta ahora.

De la mano con esto, está también lo mencionado anteriormente: ahora que no tiene «protección» del Joker es más fácil atraparla. Sin embargo demuestra en varias ocasiones que eso no es verdad. Logra escurrirse de todas las manos, excepto de las de Romy Sionis. Cuando cae en su poder, solo puede huir si le devuelve el diamante extraviado. Así es que de una manera u otra, Harley vuelve a depender de alguien. Incluso a pesar de que sola pudo relacionarse con Cassandra Cain y mantenerla a salvo. Incluso cuando parece que podrá lograr su cometido, se termina rindiendo y entregándola por protección. El hecho de decirle constantemente de que ella no puede cuidarse sola, es muy recurrente. Tanto que por momentos

uno llega a creer que evidentemente Harley Quinn no es nadie sin un hombre que la proteja. No obstante, nuevamente demuestra que tiene valor suficiente cuando decide enfrentarse con Máscara Negra y, gracias a Cassandra, logran matarlo.

No es que Harley Quinn no pueda sola, es que no sabe. Por eso es que la unión de Montoya, Canario Negro y Cazadora es tan importante para su desarrollo. Si bien luego escapa junto a Cassandra, se siente contenida y comprendida por un grupo de mujeres a las que la vida les falló en distintas oportunidades. Grupo con el que se enfrentará firmemente frente a un enorme ejército de hombres. Este es el momento más evidentemente feminista de toda la película. De feminismo y sororidad: no solo las chicas pueden, sino que pueden juntas y contra todo pronóstico.

Tema aparte las coreografías de las peleas. Junto con los planos, la acción y las peleas son el condimento visual más grato de toda la película.

El inconveniente Bertinelli

Al igual que en el último análisis (Star Wars Episodio IX), hay un inconveniente. La diferencia es el apellido.

Al comienzo mencionábamos que inicialmente la idea de Margot Robbie era una película de Cazadora. También dijimos que una de las tramas tiene que ver con la familia Bertinelli. Entonces, ¿cuál es el problema con la pequeña Helena? Es la única de las cinco que tiene un arco argumental que deja mucho que desear. ¿Por qué decidieron dejar atrás un personaje tan sustancial que incluso les salvó la vida? Quizás en principio sea porque con el resto de los arcos era suficiente. Pero resulta que Cazadora aparece desde el comienzo de la película, en el medio algunas veces y al final para unirse a sus compañeras.

El único momento en el que gozamos realmente de la historia de Helena fue un resumen rápido que nos hizo Harley Quinn y que nos mostró Cathy Yan. Este momento está inspirado en un estilo tarantinezco, similar a la historia que cuenta en Kill Bill 1 de Gogo. Es el único personaje que no se desarrolla bien. Llega al final, mata a Zsasz (que tampoco sabemos cómo es que estuvo en la infancia y en la adultez de Helena sin una sola arruga). Salvó a Harley de un enorme matón y dejó cuatro muertos al principio de la película de los que se tuvo que encargar Renee Montoya y antes de unírseles dice «Listo, me voy». ¿Por qué si veníamos taaan bieeen?

No es un personaje en extremo necesario y evidentemente, dada su motivación de venganza, tampoco habría mucho que contar de ella más que su infancia traumática. Pero entonces de vuelta, ¿por qué? A veces no hay por qué, y si lo hay, no lo entendemos.

Opinión final

En relación a lo técnico, Aves de Presa se convierte en un espectáculo visual sorprendente. Los planos tienen un cuidado simétrico interesantísimo, completados por los colores y la artificialidad que siempre inunda a la protagonista. Desde luego, tienen que inundar los planos que ocupa. Aunque desde luego no es solo cuando está Harley. La búsqueda de la simetría y los colores fuertes y demandantes es constante. El trabajo artístico y fotográfico a ese nivel le agregan a la película todo lo que alguna vez le pudo faltar. Pegado a esto, está la banda sonora, con un uso increíble como lo viene haciendo DC últimamente. Además, las peleas le añaden la acción digna de una película de este calibre. Cargadas de emoción y coreografiadas de una manera tan armoniosamente activa que da mucho gusto verlas.

DC retoma el ruedo con esta película que pone a cinco mujeres en la portada y busca reivindicarse. ¿Cómo seguirán en el Universo? Es cuestión de esperar.

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Predicciones de los Oscar 2020

El próximo 9 de febrero se celebrará en el Dolby Theatre de Hollywood la esperada ceremonia de los Oscars. ¿Sera «Parasite» o «1917» la gran vencedora de la noche?, parece ser la pregunta principal en torno a la categoría de mejor película en los Oscar de este año. Ya habiendo atravesado algunas otras importantes ceremonias de premios, siendo los BAFTA los más recientes, ahora podemos considerar algunas predicciones.

De lo que podemos estar seguros, pero recontra seguros es de una cosa: Joaquin Phoenix se llevara a casa el galardón a mejor actor por su actuación como Arthur Fleck en “Joker”. Phoenix arraso con la categoría de actor principal en toda la temporada de premios, desde los Golden Globes y Screen Actors Guild Awards hasta los BAFTA.

Por otro lado, “1917” está comprando cera para sacarle brillo a la estatuilla a mejor película. La película bélica de Mendes obtuvo ese premio en los Premios del Gremio de Productores de América. Hay que aclarar que los PGA han tenido el mismo ganador del primer premio que los Oscar durante la última década, salvo dos excepciones (“The Big Short” y “La La Land”). Pero todavía puede haber esperanza, «Parasite» todavía está en la carrera, ya que se llevó el premio principal de los SAG: mejor conjunto.

Teniendo en cuenta los ganadores del BAFTA, PGA, Golden Globe, Critics ‘Choice y SAG. Y las nominaciones en categorías cruciales de los Oscar que normalmente significan un ganador del premio principal. Una suerte de predicciones seria así:

Mejor película
  • 1917: gana
  • The Irishman
  • Jojo Rabbit
  • Joker
  • Little Women
  • Marriage Story
  • Once Upon a Time….. in Hollywood
  • Parasite: nos gustaría que gane
  • Ford v Ferrari

“1917” lidera la carrera especialmente por la victoria en los PGA. Por detrás, “The Irishman” y “Once Upon a Time…” no han podido obtener el primer premio en ninguno de los premios anteriores. “Joker”, a pesar de liderar con 11 nominaciones, es una película de cómics. Las películas de cómics no ganan. En cualquier caso, todos sabemos que “Parasite” merece ganar. ¿Podría su premio de los SAG ofrecer esperanza de que esto realmente se haga realidad? Toca esperar al domingo para saberlo.

Mejor director
  • Bong Joon-ho, Parasite: nos gustaría que gane
  • Sam Mendes, 1917: gana
  • Todd Phillips, Joker
  • Martin Scorsese, The Irishman
  • Quentin Tarantino, Once Upon a Time… in Hollywood

Mendes tiene una gran cantidad de victorias en su haber, más recientemente el BAFTA. Tarantino nunca ha ganado y Scorsese no logro encantar a los votantes. Dicho esto, dejá que Bong Joon-ho se lo lleve a casa.

Mejor actor
  • Joaquin Phoenix, Joker: gana
  • Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time… in Hollywood
  • Antonio Banderas, Dolor y gloria
  • Adam Driver, Marriage Story: nos gustaría que gane
  • Jonathan Pryce, The Two Popes

La actuación escalofriante y desquiciada de Joaquín Phoenix en “Joker” lo hizo ganador de un Globo de Oro, un Premio SAG y un BAFTA, parece que el premio al Mejor Actor es suyo.  Por la calle de enfrente, Adam Driver otorga una actuación sensible y personal en «Marriage Story» y demuestra su talento.

Mejor actriz
  • Cynthia Erivo, Harriet
  • Renée Zellweger, Judy: gana
  • Scarlett Johansson, Marriage Story
  • Charlize Theron, Bombshell
  • Saoirse Ronan, Little Women

Zellweger está nadando en los premios a mejor actriz (su último es el BAFTA), por lo que no sería sorprendente ver como su actuación transformadora la lleva a obtener su primer Oscar. Nos gustaría que gane Awkwafina por su interpretación demoledora en “The Farewell” pero lamentablemente, ni Awkwafina y “The Farewell” están nominadas en los Oscar.

Mejor actor de reparto
  • Tom Hanks, A Beautiful Day in the Neighborhood
  • Anthony Hopkins, The Two Popes
  • Al Pacino, The Irishman
  • Joe Pesci, The Irishman
  • Brad Pitt, Once Upon a Time in Hollywood: gana y nos gustaría que gane

Dado que el voto de “The Irishman” probablemente se dividirá entre Al Pacino y Joe Pesci, y “A Beautiful Day in the Neighborhood” y “The Two Popes” probablemente sean extraños en la noche de los Oscar, las estrellas se están alineando para Brad Pitt (quien probablemente dio su mejor actuación en el año en «Ad Astra», en lugar de «Once Upon a Time»). Ha ganado un premio Golden Globe, BAFTA y SAG.

Mejor actriz de reparto
  • Kathy Bates, Richard Jewell
  • Laura Dern, Marriage Story: gana
  • Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
  • Florence Pugh, Little Women
  • Margot Robbie, Bombshell

Con una nominación a Mejor Actriz, es poco probable que Scarlett Johansson gane aquí contra su coprotagonista de Marriage Story, Laura Dern. Dern obtuvo el Golden Globe, el premio SAG y el BAFTA en esta categoría, merecidamente (afirma la mayoría salvo yo) por su papel de abogada despiadada en «Marriage Story», por lo que parece que ella se llevara el premio.

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1917 de Sam Mendes: Critica

Sam Mendes es aquel estudiante callado que se sienta en el fondo pero que cuando habla puede deslumbrar a más de uno. Sin duda uno de los preferidos de los críticos y de la academia en general. Como director supo asombrar a todos con su opera prima “American Beauty”, relatándonos la crisis de mediana edad masculina, la caída a la tentación y el camino de redención, el cual no tiene salida.

El director inglés sabe llamar nuestra atención cada intervalo de 3 – 4 años, por eso es un chico que habla poco. Si bien esto significa una filmografía pequeña no quiere decir que sea poco interesante: “American Beauty”, “Road to Perdition”, “Jarhead”, “Revolutionary Road”, “Away We Go”, “Skyfall”, “Spectre” y este 2019 “1917”. Algunas capaz más recordadas que otras, pero todas con algo en común llamaron la atención. Para llegar a realizar esta proeza técnica que es “1917” Mendes tuvo que abandonar el nihilismo de su opera prima y pasar por todos los géneros, o mejor dicho por lo menos por algunos.

“1917” nos tomó por sorpresa a todos. Sin haber pasado por ningún festival antes y estrenándose cerca de la fecha de los Oscars, nos sorprende, como su director, llevándose estatuillas sobre películas como “The Irishman”, “Once Upon a Time…. In Hollywood”, “Parasite”, etc y etc. ¿Ganar una estatuilla en los Golden o en los Oscars significa que sos mejor? La respuesta es claramente que no. Películas como “Citizen Kane”, “Zerkalo” o “Cavalo Dinheiro” nunca ganaron un Oscar por mejor película, pero aun así se pueden considerar como algunos de los mejores films hechos en la historia.

Sinopsis

“En el apogeo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield y Blake tienen una misión aparentemente imposible. En una carrera contra el tiempo, deben cruzar el territorio enemigo y entregar un mensaje que detendrá un ataque mortal contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake”. Esta es la trama sobre la cual Mendes va a tratar de desplegar su premisa del sacrifico personal por un bien mayor.

“1917” no innova desde la narrativa ni desde el mensaje que busca transmitir, el hallazgo verdadero es en la proeza técnica. El uso del plano secuencia no solo sirve para captar más fielmente la realidad (como estableció Bazin en su texto, ¿Qu’est-ce que le cinéma?), sino que también en este caso para hacer al espectador un participe emocional de la trama y de la película.

Cinematicas: Videojuegos y cine

El espectador abandona su cómodo asiento para adentrarse en la 1ra Guerra Mundial posicionándose como un participe más. Acompañando a los personajes por aquella odisea bélica, un descenso al infierno situado en la Europa de principios del siglo XX. Mendes desde su lugar de director y Deakins desde su lugar de director de fotografía utilizaron grúas, camionetas, cuatriciclos y steady-cams para llevar a cabo este gran falso plano secuencia.

En su afán de querer ser un plano secuencia e introducir al máximo al espectador, la película se transforma en un videojuego. La cámara se posiciona detrás de un personaje a unos metros y vemos sobre su hombro, muy similar a como se ve en los juegos de guerra como Call of Duty o Battlefield. La narrativa es incluso similar se puede pensar la noción de secuencia como una misión.

La fotografía corre por parte de Deakins del cual solo se pueden esperar obras maestras. El director de fotografía logra transformar un pueblo destruido en un verdadero infierno, un poco inspirado en el desierto de “Blade Runner 2049”. Una paleta de color tierra se despliega y ensucia la armonía a lo largo del metraje y el color verde se desmarca como la esperanza, la vitalidad y el anhelo de futuro y paz.

Cast

En el cast se pueden encontrar intérpretes consagrados en papeles secundarios (desde Mark Strong hasta Richard Madden, pasando por Colin Firth y Benedict Cumberbatch), pero son Dean-Charles Chapman y George MacKay quienes cargan con convicción el peso dramático de la historia como estos dos jóvenes soldados. Las actuaciones no sobresalen en esta proeza técnica solo son un añadido para dar un toque “sentimental” que en ningún momento se logra por poca empatía. A los personajes se los conoce poco y nada por eso se puede considerar difícil empatizar con estos.

Sin dudas una de las favoritas para llevarse la estatuilla de los Oscars. Sin buscar ser un estudio profundo sobre la Primera Guerra Mundial, la película logra entretener y ser una emocionante experiencia cinematográfica y más si la misma se experimenta en el cine.

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Knives Out (Entre Navajas y Secretos)-Reseña

«Entre Navajas y Secretos» (Knives Out) es la nueva película de Rian Johnson (The Last Jedi Looper) que finalmente llegó a los cines. Una película que desde la sinopsis y el tráiler, promete una historia de detectives (del estilo Whodunit ) muy cercana a los cuentos de Ágatha Christie o a una partida del juego Clue, pero luego no resulta así. Rian Johnson nos vende de entrada una historia cliché que al final sorprende maravillosamente.

La historia ronda alrededor del suicidio de Harlan Thrombey, patriarca de una familia de alto poder adquisitivo en Estados Unidos. Los Thrombey son una familia particular que vive a través del dinero que ingresa a la familia de los best-sellers de misterio que Harlan escribió a lo largo de su vida. Estructuralmente, en la base, la historia tiene todos los componentes necesarios para ser una película al estilo de Asesinato en Expreso Oriente (Sidney Lumet en 1974 o Kenneth Branagh en 2017) empezando por los personajes:

Daniel Craig como Benoit Blanc.
  • el detective privado, famoso en resolver casos insólitos de misterio: en Knives Out, Benoit Blanc (Daniel Craig); en la historia adaptada de Ágatha Christie, Hércules Poirot. La función del detective es la misma, es perspicaz, rápido, intenta ser simpático (aunque mayoritariamente es detestado por la mayoría de los personajes) y sobre todo resolutivo.
  • policías: en esta película hay presencia policial que acompaña al gran Benoit Blanc, pero la investigación profunda la lleva a cabo el detective.
  • la heroína: en este caso extranjera, extremadamente buena y servicial, lo es tanto que es la enfermera de Harlan.
  • los hijos que exigen la herencia: aquí son dos, Linda y Walter. El último cree que debe heredar sin miramientos la editorial del padre y Linda, al ser la única hija mujer, cree ciegamente que merece la mayoría de sus bienes.
  • la nuera: viuda de un tercer hijo de Harlan y con una hija en su responsabilidad, absorbe el dinero
    Familia Thrombey

    del anciano que él mismo les administra para vivir.

  • los nietos: son tres, vanidosos, orgullosos,
    descariñados con su abuelo. El más chico es racista, xenofóbico y adicto a internet, la del medio, la hija de la nuera viuda, parece ser más empática y menos orgullosa que los demás, y finalmente el mayor, el «mantenido», el vanidoso.
  • Harlan, el patriarca: es el personaje sobre el que se investiga un supuesto crimen o suicidio y es avispado, maneja todos los inconvenientes que le lleva la familia. Es muy resolutivo, amistoso y sabio.
  • el resto de los personajes están en un lugar de acompañamiento de estos principales, cargan sus secretos, algunos son herramientas de comicidad y secundan acciones principales de los demás.

Los personajes tienen una confección interesante, de base para la estructura, como mencionamos. Pero los actores hacen un trabajo espectacular en el rol para llevar a cabo las acciones, especialmente Daniel Craig como el detective y Ana de Armas como la enfermera y amiga personal de Harlan, Jaime Lee Curtis como la hija del anciano, Toni Collette como su nuera y Christopher Plummer como Harlan. Así es como la comicidad del guion es acompañada por los mismos actores que realizan un trabajo completo y fundamental para nutrir la historia.

Por otro lado, el guion es admirable a cada momento: está repleto de ribetes, giros inesperados y resoluciones perspicaces. En esta película en donde todos son sospechosos, el guion acompaña perfecto cada momento: desde los diálogos, avispados y cómicos, hasta las situaciones más insólitas y resoluciones más sorprendentes. El guion destaca, así como también lo hace el trabajo de fotografía, con un uso de luz y sombras que de tanto en tanto, recuerda al estilo de Alfred Hitchcock (no solo en la fotografía, también en los escenarios y algunos estereotipos, como la gran mansión) y genera el clima de misterio necesario para la trama. Hay momentos de mucha iluminación, contraste y brillo en las escenas, que generan a su vez un contraste con la historia. Entonces hay dos momentos: uno buscado para generar misterio con el juego de sombras, y otro buscado para generar un contraste de iluminación con la «oscuridad» del misterio y el suspenso.

Todo esto es generado y llevado a cabo por el gran director, Rian Johnson, que nos regala una película pulida, cómica, llena de idas y venidas en su escritura, dejándonos la sensación de que fuimos a ver al cine una gran película. En una historia en donde todos son sospechosos, Johnson impresiona y mantiene el suspenso de la resolución hasta el final.

Recomendada de la semana, les dejamos el tráiler por si aún quedan dudas!

Tráiler N° 1

Tráiler N° 2

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Análisis CON SPOILERS- STAR WARS Episodio 9: The Rise of Skywalker

Llegó el fin de una era, de una historia, de un apellido que protagonizó y pobló la galaxia de fanáticos. Una saga que atravesó décadas y generaciones y siguió llenando su fandom con todas las edades: desde los que vivieron los estrenos de alguna de las dos primeras trilogías, hasta los que se sumaron en estos últimos diez años. Coincidimos todos, Star Wars es la saga que unió generaciones enteras de fanáticos y que no repara en edades. Y hoy llega a su fin. En un año en el cual muchas cosas terminaron, muchas grandes franquicias como Avengers (que completó una de sus más grandes fases con Avengers: Endgame) o Game of Thrones, Star Wars decide no quedarse rezagado y culminar con la más grande historia de la galaxia: la de los Skywalker que nos trae, finalmente, J. J. Abrams (The Force Awakens, The Rise of Skywalker) cerrando la última trilogía de la saga.

Hace 4 años y 10 años después del gran final en The Revenge of the Sith (donde se conforman Lord Vader y el emperador Palpatine tal como los conocimos en la trilogía anterior), llegó a los cines del mundo The Force Awakens, que retomaba la historia muchos años después de The Return of the Jedi (Episodio 6), plantando la semilla para una renovada trilogía. Con Darh Vader muerto, la única idea de villano posible, fue la del Líder Supremo Snoke y el poderoso Sith, Kylo Ren, hijo, nada más y nada menos, que de los personajes «tradicionales» Han Solo y Leia Organa. Para algún colgado/a que aún no sepa bien de qué estamos hablando, esta es la historia que cierra en The Rise of Skywalker  y de la que hablaremos con spoilers de ahora en más.

La película como tal es interesante por supuesto: continúa una de las más grandes sagas mundiales, como ya dijimos. Es importante destacar el trabajo de espectáculo que maneja Disney en este tipo de tanques, está claro que la intención no es enteramente hacer algo artístico, sino más bien un producto, y The Rise of Skywalker es decididamente un buen producto, aunque era de esperar por la mayoría. A pesar de todo ello, que parece doloroso sobre todo tratándose de Star Wars, en ciertos aspectos beneficia la obra y en otros la perjudica. Los aspectos a favor siempre serán los efectos especiales, la facilidad para generar vínculos salidos de la nada (esto traerá problemas, ya veremos por qué), algunas actuaciones y en este caso puntual el componente emotivo de traernos a personajes como Chewbacca, C-3PO, R2-D2, Leia, Han Solo y Luke y algunas veces, agregar personajes, como BB-8, Poe, Flynn, etc.,  que en definitiva le agregan a la trama lo que le falta, desde luego que estos últimos son necesarios porque los dos protagonistas, Rey y Kylo, son nuevos también. Pero también están los aspectos perjudiciales para la trama. Cuáles son y por qué:

¿Épica?

Lo primero que hay para destacar del total de la película es la falta de momentos «épicos» o emotivos. Es cierto que los hay, sobre todo en la última escena. Pero a grandes rasgos no hay momentos de una emoción absoluta como quizás lo exige un final de saga y los que hay son reducidos, no se nos permite emocionarnos porque inmediatamente las cosas se «reparan»; cuando parece que morirá simbólicamente  C-3PO (momento en que Babu Frik le borra la memoria), el droide se despide de sus amigos con una frase muy emotiva para que casi inmediatamente esté recuperada su manera de ser particular del personaje, se incluyan chistes y solo unos minutos después R2-D2 le recomponga parte de la memoria borrada. En lugar de que eso genere alivio, genera cierto desconcierto porque entonces la despedida anterior terminó por no significar nada, quitandole todo el contenido emotivo que podría haber ocasionado en algún espectador. Además de que entre la despedida y la supresión de su memoria, Babu Frik hace chistes, vemos a Poe y Zorii Bliss conversar sobre su pasado, llega la Primera Orden… quizás demasiados acontecimientos para ser que estamos a punto de perder al único personaje que vivió todas las generaciones de Skywalker desde Anakin. Aunque al final no lo perdamos.

Algo similar sucede con la «muerte» de Chewbacca. Rey destruye un transportador donde llevaban preso a Chewbacca (momento además de revelación de sus poderes más importantes, los mismos que Palpatine) y todos entendemos que murió allí. Hay algunos minutos de desconcierto y tristeza general, incluso hacen valer la misión para que «Chewbacca no haya muerto en vano». Pero hay dos cuestiones en esta «muerte»: un primer punto es que al rato se enteran que en realidad, el wookie estuvo en otro transportador que mágicamente había allí y casualmente Rey, Finn o Poe no pudieron ver, ya que los tres pensaban que estaba en el que la protagonista destruyó; el segundo punto es que el momento de la supuesta muerte de Chewie se ve opacado por la revelación de los poderes extraordinarios de Rey (los rayos que le salen de la yema de los dedos). Entonces la situación se bifurca en dos cuando están de vuelta en la nave, la muerte de Chewbacca y hacer valer la misión por ello por un lado, y el descubrimiento del poder incontrolable de Rey (que dicho sea de paso utilizó esa única vez en la película, obligándonos a pensar posteriormente que sirvió solo de indicio de que el parentesco era con Palpatine) por el otro, siendo éste último motivo suficiente para que Chewbacca pierda todo foco de atención por parte de los espectadores. Cuando, de haber muerto de verdad, tendría que haber sido algo extremadamente emotivo tratándose de un personaje tan icónico.

La vuelta de Palpatine

Para seguir, lo primero que nos promete la película, desde el tráiler, es la vuelta de Palpatine aunque en él sólo oímos su voz y por el momento no sabremos en qué forma volverá. Pero entonces, ni bien comienza la película, el famoso texto que explica los eventos que acontecieron nos cuenta que Palpatine dejó una serie de audios de voz que guían a la Primera Orden hacia un nuevo objetivo de comandar la galaxia. Y aunque no es un mundo que plantee algo similar, los avances tecnológicos son un punto importante en la historia: los mensajes y transmisiones holográficas estuvieron presentes desde la primera película. No es algo tan llamativo de entrada, pero a medida que los hechos suceden, nos damos cuenta de que hay algo quizás peor que la idea de un «audio» (que de por sí ya es rara) que dejó el malvado emperador Palpatine para sus sucesores, y es la idea de que en  realidad, nunca murió y estuvo más de 30 años resguardado en un planeta inhóspito y alejado del alcance de la Resistencia: Exegol, donde también tomó la forma de todos los mentores que guiaron a Kylo Ren al lado oscuro. Y ya podría contarse como la primera incongruencia: ¿Palpatine todo este tiempo estuvo vivo? Un vacío temporal de casi 30 años de apaciguamiento y en momentos cruciales como la muerte de Snoke, Palpatine estaba ¿recobrando fuerzas? (Voldermort, ¡¿eres tú?!) Quizás la vuelta del malvado emperador hubiese cobrado sentido suficiente de haber existido una explicación concreta para tanto tiempo dormido.

La aparición del enemigo genera muchas preguntas que no se responden más tarde ni nunca. Es interesante la idea de una reaparición, de por sí es el mayor villano de toda la saga, creo nada más y nada menos que a Darth Vader y, aparentemente, también a Kylo Ren. Es una idea tentadora y fascinante para cualquiera, siempre y cuando haya una explicación que cierre, que no deje dudas ni huecos y que no nos haga salir del cine pensando en que esto fue uno de los más grandes errores de la película. Porque nos gusta Palpatine, pero no así.

El inconveniente Ren

Por otra parte está la omnipresencia de Kylo Ren: donde está Rey, aparece Kylo. Nada puede hacer la protagonista sin que al muy poco tiempo

aparezca su enemigo, no importa dónde ni qué esté haciendo: si algo de lo que hace Rey compromete los planes de Kylo, ahí se aparecerá para enfrentarla. El momento donde más se hace notar su omnipresencia es, principalmente, en el sistema Kef Bir (lugar en el que se esparcieron restos de Death Star), donde Rey y sus compañeros van a buscar un triángulo «Orientador de Sith», que los ayudaría a encontrar a Palpatine (mencionamos que el planeta donde se resguarda es invisible para la Resistencia). Allí, ella incluso se encuentra con una visión de sí misma convertida al lado oscuro, toda la situación la espanta tanto que se sorprende de encontrarse allí a Kylo: nosotros también. ¿Cómo es posible?

En esta secuencia, Kylo también se pasa «oficialmente» al lado «bueno» (muchas comillas, lo ameritan). Rey escapa, Kylo ve a Han, se conecta con Leia que a su vez está utilizando el último resquicio de fuerza que le queda para tratar de convencerlo, Kylo finalmente y tras tres películas logra darles a sus padres una alegría pasándose al lado luminoso. Claro que todo ello implicó la muerte de ambos progenitores en distintos momentos de la historia, muertes ocasionadas con el único fin de rescatar a Ben Solo del alma oscura y poseída de Kylo Ren, pero hagamos como que era tan difícil como lo plantea Kylo. Que en realidad, lo era, pero aquí hay otra cuestión:

Resulta que Disney se tomó el debido trabajo de mostrar el conflicto interno de ambos personajes, Rey y Kylo (aunque más de este último), pero nuevamente hay una falla. En Rey el conflicto está mejor planteado, es cierto que hay una base genética que lo sostiene ya que es nieta del mismísimo Palpatine, pero en sí es llevado a cabo de una manera más tranquila y natural. En cambio la bipolaridad de Kylo sorprende. Al principio de su arco argumentativo el conflicto interno es interesante: le es fiel a Snoke, mata casi sin dubitar a su padre a sangre fría, se enoja, rompe cosas y mata gente, pero al conectarse con Rey, afloja un poco. Las charlas le llevan tiempo que él decide invertir, aunque no hablen de cualquier pavada. Ambos trabajan sobre la mente del otro (Harry y Voldemort, Kylo y Rey, ¿cuál es la diferencia?): Rey intenta convencerlo de que lo que hace está mal (ysi), Kylo intenta convencerla de que lo que ella hace está mal y la quiere a su lado para reinar en la galaxia (muchos dirán que él se enamoró, yo considero que no y por eso creo que EL beso es otro error, ya volveremos sobre esto). Hay mínimos instantes de duda, sobre todo en el Episodio VIII, cuando asesina a Snoke y vuelve atraer a Rey. Pero son tantos y tan endebles que su conflicto interno queda supeditado por tantas dudas. Ya no son un par, son muchas y cada vez más innecesarias: ya conocemos su conflicto, lo hemos visto dubitar en momentos necesarios y ser firme en otras decisiones, su costado conflictivo es visible y por momentos es bueno, pero cuando se hace tan recurrente llega incluso a ser molesto y a plantar en el espectador si tanta duda es real o es marketing. Quizás no es el peor punto a marcarle al desdichado Ben Solo, pero es algo y es grande.

Vínculos desafortunados

Algunos vínculos están particularmente descuidados, si bien algunos son detalles, hacen a los pequeños huecos dramáticos. Comenzando por el

de Rose y Finn, que se «inicia» en el Episodio VIII: The Last Jedi, llegando al final (ya en el planeta rebelde y luchando contra la Primera Orden), cuando Rose le da una sabia lección a su compañero que termina con un beso no correspondido. Esa podría ser una búsqueda por parte de Rian Johnson (The Last Jedi) de relacionar a estos personajes que luego J. J. Abrams decide abandonar por completo: Finn y Rose no hablarán nunca del tema, ni tendrán el más mínimo contacto, más allá del que les exige la guerra. Como dijimos, un detalle, pero al fin y al cabo los detalles son los que hacen la diferencia a la larga en la película.

Finn está enfrascado en otro conflicto vincular como lo es el que sucede con Rey. Al principio de la trilogía era casi evidente que Finn tenía un interés romántico en Rey, pero no se manifestó mucho más, de hecho desde casi final del Episodio VII quedaba claro que ya no iba a intentar nada más y el amor que se tenían parecía puramente una amistad. Hasta que llega el desdichado momento en que casi mueren en arenas movedizas en Pasaana. Finn tiene la fantástica idea de confesarle a Rey que tiene algo para decirle tras mucho tiempo, ya que están por morir. Nunca más desde entonces Finn vuelve a intentar acercarse amorosamente a ella, a excepción de un par de momentos más. Tras casi película y media de no demostrar más que interés fraternal en la protagonista, Finn decide confesarle repentinamente algo (no queda más que pensar que lo que intenta es decirle que la ama) y luego no lo retoma nunca más, ni él, ni Rey, que se interesó por el tema inmediatamente al haber sobrevivido pero luego no más. Así es que pareciera que los pequeños vínculos en esta película están ligeramente abandonados.

Otro lazo entre personajes que cabe destacar en esta sección es el de Rey y Kylo. Muchos estarán de acuerdo en que ambos estaban enamorados uno del otro («los que se pelean se aman»; «se conectan, así que por algo debe ser»; «no pueden no ser nada, en algo tiene que terminar»; «por algo él se pasa al lado bueno y la salva» y muchos etcéteras más), yo creo que no fue así. Las conexiones que tienen se daban también en otros Jedi, con otras intensidades y no siempre, pero sucedía. Que las tengan no implica necesariamente que tengan que amarse, de hecho las conexiones eran casi siempre por cuestiones de la Fuerza: por intentar convencer uno a otro e incluso hasta pelear. Hubo solo una conexión, en The Last Jedi, en la cual se toman de las manos que da a entender que sus sentimientos van más allá de lo que se ve en la superficie. Sin embargo nunca a lo largo de las tres películas demostraron verdadero amor romántico entre sí, aunque es cierto que hay un sentimiento muy fuerte entre ambos, y es probable que sea amor pero algo más fraternal. ¿El beso es fan service? Desde mi punto de vista, sí. Lo es y mucho. La resolución de su trama, la última pelea juntos contra los Sith, los abrazos y las miradas, sí, hasta el beso. El beso es lo que arruina toda su relación, porque no hubo demostración de amor romántico visible en ninguno de los dos. De hecho si es cierto que hay tanto amor romántico entre ambos, ¿cómo es que Rey supera tan fácilmente su muerte? Eso quizás tenga que ver con lo que mencionábamos anteriormente sobre las emociones, que no se nos deja emocionarnos; evidentemente tampoco dejaron emocionarse a Rey, al menos lo suficiente como para llegar a empatizar con la muerte de su «amado». Así es que el cierre de su vínculo no me resultó acertado ni mucho más. Con un abrazo estábamos de diez.

Opinión final

Llegando al final, me gustaría aclarar que a pesar de todo esto, como producto me parece uno bueno, aceptable, interesante. No desaconsejo verla: véanla, investiguenla, quiéranla y emocionense con ella si es lo que les genera. Rescato muchas cosas de la película, como algunos personajes y sus arcos, los diálogos, los bichitos (Babu Frik, los porg, etc.), los efectos especiales, algunos giros, las actuaciones, la mega producción y demás cosas que se pueden contemplar fácilmente. La última escena, la evocación de la nostalgia trayendo a Leia, Solo y Luke como personajes épicos, sabios y mentores, la posición de determinados personajes secundarios y sus acciones son algunas de las cosas que más me agradaron de la película en líneas generales.

Por otro lado, invito a quien se interese a dejar comentarios o contactarme para debatir una de las películas más esperadas del 2019. Las opiniones son distintas y todas válidas, que los intercambios sean eso, intercambios en armonía. Y que la fuerza los acompañe, siempre.

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Marriage Story

La nueva película de Noah Baumbach (The Squid and the Whale), reconocido director de cine independiente, se estrenó hoy en Netflix a las 5 am. “Marriage Story” llega a Argentina sin haber pasado por los cines, pero si por una enorme cantidad de festivales que la hicieron posicionarse como una de las favoritas en la noche de los Oscars. Con actuaciones sobresalientes y momentos hermosos definitivamente es una película que hay que prestarle atención en esta temporada de premios.

“Marriage Story” nos narra la historia de un director de teatro y su esposa actriz que luchan en un agotador divorcio que va y viene, y que los empuja a sus extremos más personales y creativos. En síntesis, el relato es lo que propone el título, la historia de un matrimonio.  Pero lo interesante del film es la forma inteligente en que está contada. La película rechaza contar el principio de cómo se conocieron y como se enamoraron, algo que ya vimos mil veces, y opta por disponer su narrativa en torno a la separación.

Baumbach parte de ese punto porque cree, y logra hacernos creer, que a partir del final y en el final es donde se encuentran las razones del por qué salió todo mal, pero a la vez en esa búsqueda se logra encontrar todo lo que estuvo bien en la pareja.  Pareja formada por un magnifico Adam Driver, Charlie, como el prometedor director de teatro y una estupenda Scarlett Johansson, Nicole, en el papel de una actriz que abandono en el pasado la posibilidad de una carrera exitosa en el cine para actuar en la compañía de teatro de su marido.

La película tiene uno de las aperturas más interesantes del año. El director logra generar un romanticismo anclado en lo cotidiano que va aumentando gracias a una voz en off y un montaje que acompañan el tono. Lamentablemente, lo que sigue y se desarrolla es una exploración realista sobre una pareja, su final como tal y el amor que no se pierde, sino que se transforma, ya que tienen a un hijo que los une para siempre. Baumbach usa la problemática del no ponerse de acuerdo en donde vivir, si en Nueva York o en Los Ángeles, para trabajar los conflictos que surgen cuando una de las partes relega sus aspiraciones para apoyar las del otro.

Baumbach maneja con una maestría la mezcla del humor y la emoción para mostrar el dolor de los rencores, pero también el amor latente que está allí por el pasado que compartieron y por su hijo que los une. Adam Driver y Scarlett Johansson están a la altura de un guion con una estructura impecable y con diálogos ágiles e inteligentes. El cast se completa con: Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty y Azhy Robertson, que interpreta al hijo de la pareja, todos brindando actuaciones a la altura y que acompañan de forma correcta las emociones y situaciones.

La película que se desarrolla durante unas extensas dos horas nos regala y emociona con secuencias verdaderamente hermosas. El inicio que muestra la cotidianidad con una voz en off y un montaje discontinuo nos hace encariñar con los personajes rápidamente. Mientras que la pelea que mantiene la pareja en el living de la casa de Los Ángeles nos saca un buen par de lágrimas.

“Marriage Story” nos recuerda a “Kramer vs Kramer” (1979) en cuanto a seguir el proceso de divorcio de una pareja e incluso podría ser una relectura moderna de aquella película. Pero sin duda Baumbach realiza una película que trata una problemática moderna que nos va a hacer emocionar hasta las lágrimas y nos dejara durante algunos días un vacío en el corazón.

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Review: Ready or Not

Grace (Samara Weaving) acaba de contraer sagrado matrimonio con Alex Le Domas (Mark O’Brien), uno de los herederos de una fortuna cuya riqueza descansa en los hombros de la centenaria compañía familiar, fabricante de juegos de mesa clásicos. Tras la ceremonia en la mansión de su flamante familia política, Grace se prepara para su noche de bodas, pero los Le Domas tienen otros planes. Es su tradición jugar un juego de mesa, de su creación, junto a la nueva integrante del clan al finalizar el día de la boda. Si bien puede parecer una costumbre particular, la sorpresa de Grace será aún mayor al descubrir que el juego en cuestión consiste en sobrevivir hasta el amanecer evitando ser asesinada por sus nuevos parientes, temerosos de una maldición que podría caer sobre ellos si no llevan a cabo el sacrificio.

Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett (“Devil’s Due”) son los encargados de dirigir esta película que, a simple vista, por lo menos en su historia, se asemeja a “You’re Next” (2011) de Adam Wingard. Pero que en su forma son bastante distintas entre sí, diferencia bien marcada y fácil de observar en el uso de comedia negra y menos suspenso en “Ready or Not”.

A medida que avanza la película esta se vuelve una odisea, sufrida por nuestro personaje principal, que combina todo el tiempo y de forma ágil lo lúdico y lo macabro.  No es de extrañar que en el momento del primer punto de giro los personajes entren a un salón, la cámara se quede afuera de este mientras cierran la puerta y el espectador se quede viendo una puerta decorada como una caja de juegos. Simbólicamente nuestros personajes entraron al juego en el momento que entraron a ese salón o mejor dicho en el momento que entraron a esa caja de juegos creada por la misma familia millonaria.  La mansión durante mucho tiempo va servir a la vez como caja o tablero de juegos donde sucederán los eventos. Además, la película tiene un dinamismo efectivo para jugar todo el tiempo al límite del verosímil y así sacar lo mejor de cada secuencia.

En el cast podemos encontrar a actores como Samara Weaving (que a simple vista es un calco de Margot Robbie), Adam Brody como Daniel (el alcohólico hermano mayor), Melanie Scrofano como Emily (la hermana drogadicta que no puede hacer nada bien), Andie MacDowell como Becky (la madre protectora) y Henry Czerny como Tony Le Domas (el padre).

Es inevitable unir el guion de Guy Busick y Ryan Murphy con la actualidad social y política de los Estados Unidos, una realidad en la cual las clases altas parecen disfrutar todos los privilegios que se son negados al resto. Pero los guionistas para camuflar sus ideales se apoyan demasiado en el lado de la comedia negra y así lograr en vez de una declaración de pensamientos, una sátira de la lucha de clases.

La película de 95 minutos de duración brilla por momentos al igual que decae en otros. Se podría decir que son tres los aspectos en donde brilla la película: sentido del humor negro, escenografías impecablemente hermosas y personajes que por momentos ofrecen actuaciones hilarantes. El problema es que de estos tres aspectos solo uno se sostiene a lo largo de la película. Los reiterados chistes negros dejan de causar humor en un punto porque ya es sabido con que van a bromear, lo que nos causa gracia en un principio ya no lo hace hacia el final. Las actuaciones que son hilarantes en un principio se tiñen durante el desarrollo de previsibilidad y los personajes terminan siendo caricaturas y un reflejo de la problemática que sufren los chistes, también se vuelven predecibles.

Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett en “Ready or Not” nos plantean una lucha de clases y un reflejo de la problemática de Estados Unidos, en un tono de comedia negra que se va disipando a medida que avanza la película. El cast nos ofrece actuaciones hilarantes por momentos y por momentos no. En una semana que escasea de estrenos interesantes, «Ready or Not» nos da un respiro que siempre viene bien.